Get Back: los Beatles en su hora más oscura

El último concierto en vivo de los Beatles. 30 de enero de 1969.

Los años 60 no fueron felices en su ocaso: el 69 empezó en el Reino Unido con un accidente de avión con cincuenta muertos cerca del aeropuerto de Gatwick. Mientras tanto, los Estados Unidos se encontraban polarizados debido a la guerra de Vietnam y en consecuencia el día 6 proclamaron presidente a Richard Nixon; enemigo declarado de la emergente contracultura. El mundo entraba en sus «horas oscuras» y los angélicos hippies perdían poco a poco la esperanza en aquella canción de título «todo lo que se necesita es amor».

Julio Tovar

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Silvio Rodríguez – Te doy una canción

Cómo gasto papel en recordarte

Cómo me haces hablar en el silencio

Cómo no te me quitas de las ganas

Aunque nadie me ve nunca contigo

Y, ¡cómo pasa el tiempo! Seguir leyendo «Silvio Rodríguez – Te doy una canción»

La poesía en el rock. Breve antología. Material de lectura UNAM (Descargar)

La música de rock apareció a principios de los sesenta, como una continuación del ritmo veloz y eléctrico del rock & roll, pero además rescató los elementos de protesta del blues y el rythm & blues, que habían sido ritmos de marginados. Las letras de blues son un testimonio de la resistencia cultural de los negros en Estados Unidos. El rock surgió, pues, como una música de protesta. Más que nada se trataba de una protesta contra la sociedad de la abundancia, contra la mecanización y la “gente de plástico” (como la llamó Frank Zappa). Así, la crítica social va unida, paradójicamente, con la reafirmación de la libertad individual. El “viaje al interior de sí mismo” se presenta como una respuesta a la rigidez de la sociedad industrial desarrollada. Con el tiempo se haría menos énfasis en la crítica social y más en la búsqueda interior y las imágenes psicodélicas. Ahora la impugnación al sistema aparece tan tenue que pasa casi desapercibida.

Claudia Aguirre Walls y Juan Villoro

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La elección de Rolling Stone: La mejor de las 500 mejores canciones de la historia

Ilustración fotográfica de Sean McCabe para Rolling Stone

La revista norteamericana refrescó su lista de mejores 500 canciones de la historia, y el puesto número 1 ahora lo tiene un himno a todas las luces: el incombustible Respect, que Aretha Franklin popularizó en 1967.

R-E-S-P-E-C-T

Find out what it means to me

When you come home (re, re, re, re)

Or you might walk in (respect, just a little bit)

And find out I’m gone (just a little bit)

I got to have (just a little bit)

A little respect (just a little bit)

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Imagine de John Lennon: 50 años de su lanzamiento

La idea de la imaginación como motor de la transformación, había sido usada por los estudiantes del Mayo Francés, y en la canción Imagine, esa idea toma más fuerza, con una energía esperanzadora.

“The Red Mole Workers Press”, un periódico político trotskista perteneciente a la Liga de Trabajo Socialista Británica, había criticado a la canción “Revolution” de 1968, en contraposición con “Working Class Hero” de 1970. Fue el propio Lennon, en una muestra de que era un ávido lector de noticias, quien respondió personalmente a la crítica mediante una carta. El cruce terminó con una incipiente amistad entre el músico y el director de Red Mole, Tariq Alí, quien introdujo a Lennon al trotskismo a principios de 1971. A partir de allí, John se enfocó en ordenar su visión política desde una perspectiva de izquierda y transmitirla en su obra, algo que sería una constante en los primeros tiempos del Beatle en New York en 1972, cuando sufriría la persecución del Gobierno de Nixon.

Edgardo Videla

laizquierdadiario/cultura

Una formación inconsciente

Para fines de 1967, la banda más famosa del mundo, ya no era una unidad creativa. Las personalidades de Paul McCartney, Ringo Starr, George Harrison y John Lennon, que habían sido una conjunción perfecta en beneficio de la música de Los Beatles, a partir de la muerte de su manager Brian Epstein, se habían convertido en cuatro egos individualistas e indiferentes hacia cualquier creación que no fuera propia. Era el principio de un fin que se alargaría hasta 1970. En ese período, aprendieron a desarrollar su estilo como artistas solistas a pesar de publicar como banda. Seguir leyendo «Imagine de John Lennon: 50 años de su lanzamiento»

«El reparador de sueños» Silvio Rodríguez

El poeta Silvio Rodríguez «escribió» su Reparador de sueños, con la férrea voluntad de querer compartirlo entre los necesitados. El verso de su canto «lo hace a mano y sin permiso». Entre sus tareas, abrigar el silencio para qué deje de ser monologo y poblar soledades. Construir un puerto sin mar, donde los caminos se confundan y las fronteras se desvanezcan. Desobedecer las lenguas y los idiomas «hechos» y construir uno que componga de sentido la voluntad de hacernos ver y entendernos todos, para la ruta de la labranza.

Siempre,

llega el enanito

con sus herramientas

de aflojar los odios

y apretar amores. Seguir leyendo ««El reparador de sueños» Silvio Rodríguez»

Giuseppe Verdi. La ópera italiana

Verdi consiguió manipular y subvertir las convenciones operísticas para lograr una síntesis de tradición e innovación. En La traviata tomó el tema de una conocida novela, La dama de las camelias, de Alexandre Dumas, y en una iniciativa sin precedentes, lo situó en la época de su composición. Sin embargo, los censores italianos consideraron el retrato de una mujer caída en la sociedad moderna demasiado atrevido y la rechazaron, así que la ópera se ambientó en el siglo XVIII para su estreno. Aun así, La traviata era única, ya que se enfrentaba con audacia a la hipocresía de la sociedad respecto a la mujer.

Enfoque: Ópera italiana

Antes:

  • 1829 Rossini sorprende al mundo musical al retirarse de la ópera tras el estreno en París de su obra final, Guillermo Tell.
  • 1848 Muere el compositor Gaetano Donizetti, 13 años después que su compatriotaVincenzo Bellini, dejando a Verdi a la cabeza de la ópera italiana.

Después:

  • 1887 Milán acoge el estreno del Otelo de Verdi, su primera ópera desde Aída (1871).
  • 1890 Estreno en Roma de la obra maestra de Pietro Mascagni Cavalleria rusticana, que introduce en la ópera el verismo, un estilo naturalista y melodramático.

No Cierres Los Ojos Grupo Akal Seguir leyendo «Giuseppe Verdi. La ópera italiana»

Nina Simone, orgullo y rebelión

Orgullo y rebelión quizá sean los dos términos que definen con mayor precisión lo que representó Nina Simone durante unos tiempos agitados, en los que coincidieron sus trabajos más comprometidos e inspirados.

 Marcos Gendre

El Salto Diario

Quizás porque, de cara a la galería, los tiempos han cambiado a mejor, hoy en día toparse con agitadores contra la opresión racial dista eones de lo que en su día representaron Public Enemy , en sus comienzos, o The Jungle Brothers. Figuras que, antes de comenzar su particular revolución, ya tenían el camino asfaltado por Nina Simone: volcán de la palabra dentada, devuelta al primer plano en España gracias a la edición en castellano que Libros del Kultrum hizo en 2018 de sus brillantes memorias, tituladas Víctima de mi hechizo. Al son de tan atinada cabecera, brota un relato ideal que nos muestra las diferentes caras de Eunice K. Waymon, la mujer que se esconde tras la máscara de Nina Simone.

Gracias: DRUNGSTA Seguir leyendo «Nina Simone, orgullo y rebelión»

Mack the Knife. Historia (Y Vídeo)

FILM. Bertolt Brecht’s ‘Mack the Knife’ set for the silver screen

La ópera de los tres centavos (título original en alemán, Die Dreigroschenoper) es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht, en colaboración con la traductora Elisabeth Hauptmann y el diseñador de escena Caspar Neher. Fue adaptada de la ópera de baladas del siglo XVIII inglés La ópera del mendigo de John Gay, y es una crítica marxista del mundo capitalista. Se estrenó el 31 de agosto de 1928 en Berlín en el Theater am Schiffbauerdamm con Lotte Lenya. La “pieza con música en un prólogo y ocho imágenes” fue la obra más exitosa en Alemania hasta la toma de poder del partido nazi el 30 de enero del año 1933. Brecht y Weill se vieron obligados a abandonar Alemania, pero para entonces, la obra se había traducido a 18 idiomas e interpretado más de 10.000 veces en los escenarios europeos. Algunas de sus canciones adquirieron gran éxito por sí mismas, como la Moritat de Mackie Messer. La balada de Mack the Knife (en inglés)

De una ópera del siglo XVIII a un musical del siglo XX (Weill y Bertolt Brecht), a una genial improvisación de Ella Fitgerald

Con la llegada de los nazis al poder Weill y Brecht huyeron y como tantas otras cosas de la época de Weimar, la canción quedó relegada al olvido. Lo asombroso es que fuera rescatada dos décadas después en Estados Unidos, sobre todo porque el musical no había tenido eco alguno en el mundo anglosajón, quedando relegado a doce míseras representaciones en Londres en 1933. Seguir leyendo «Mack the Knife. Historia (Y Vídeo)»