Bob Dylan Premio Nobel de Literatura 2016

Redacción

BBC Mundo

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El músico estadounidense Bob Dylan ganó este jueves el premio Nobel de Literatura 2016. Se trata del primer músico en ser distinguido en la categoría.

Autor de canciones como “Golpeando las puertas del cielo” y álbumes convertidos en clásicos como “Highway 61 Revisited” recibirá su medalla y los 8 millones de coronas suecas (más de US$900.000) en una ceremonia el 10 de diciembre.

La Academia Sueca, la encargada de hacer el anuncio, dijo que reconoció a la estrella del rock de 75 años por “haber creado nuevas expresiones poéticas dentro de la gran tradición de la canción estadounidense”.

Sara Danius, secretaria permanente de la Academia Sueca, dijo de Dylan que “durante 54 años ha estado inventándose a sí mismo”.

De “Blonde on Blonde”, su séptimo disco de estudio, Danius dijo que es “un extraordinario ejemplo de su brillante manera de rimar, de juntar refranes, de su brillante forma de pensar”.

Imagen y artículo tomado de BBC Mundo

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La entrevista perdida con John Lennon y Yoko Ono

Tariq Alí y Robin Blackburn

La Jornada Semanal

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En 1971, a poco tiempo de la disolución de The Beatles, Tariq Alí y Robin Blackburn sostuvieron con John Lennon y Yoko Ono una larga y abierta conversación. Incluida en Street Fighting Years, libro que Tariq Alí publicara en 2005 en la editorial Verso, la entrevista apareció en un par de publicaciones en aquellos principios de la década de los años setenta, aunque pasó algo desapercibida, pese a ser mucho más interesante que la bien conocida e interminable serie de preguntas y respuestas que le hiciera Jann Wenner para Rolling Stone. Alí y Blackburn permitieron que Lennon se explayara y lo provocaron y animaron cuando éste daba muestras de dejadez o cansancio. Entre otras cosas, Lennon cuenta que George Harrison y él se brincaron las trancas y hablaron en público contra la Guerra de Vietnam; discute la lucha de clases de un modo envolvente, defiende la música rural y el blues, sugiere que las mejores canciones de Dylan son herederas de las baladas revolucionarias irlandesas y escocesas y disecciona sus tres versiones de “Revolution”.

Alí: Tu más reciente disco [John Lennon-Plastic Ono Band] y tus más recientes declaraciones públicas, especialmente las entrevistas en Rolling Stone, sugieren que tus puntos de vista se han vuelto más y más radicales y políticos. ¿Cuándo comenzó a ocurrir esto?

Lennon: Siempre he sido propenso a lo político, ¿sabes?, y estoy contra el statu quo. Es lo básico cuando creces, como yo, odiando y temiendo a la policía como un enemigo natural y desprecias al ejército como un ente que se lleva lejos a tantos –y los abandona, muertos, en alguna parte. Es decir, es lo básico para la clase trabajadora, pero comienza a deslavarse cuando creces, te haces de familia y te ves tragado por el sistema. En mi caso nunca he dejado de tener mentalidad política, aunque la religión tendió a encubrírmela durante mis días de pasón con ácido, en 1965 o 1966. Y esa religiosidad era el resultado directo de toda la mierda de ser superestrellas; era una salida a mi propia represión. Pensaba: debe haber algo más en la vida, ¿no? Esto no es todo, ¿verdad?

Pero siempre fui propenso a lo político en cierto sentido, ¿sabes? En los dos libros que he escrito, aunque los escribiera en esa suerte de aparente sinsentido joyceano, siempre había críticas a la religión, incluso tengo una obra de teatro entre un obrero y un capitalista. Satiricé al sistema desde niño. Escribía y confeccionaba revistas en la escuela y las repartía por ahí. Tenía mucha conciencia de clase, siempre con una astilla en el hombro (como se dice en el barrio), porque entendía lo que me ocurría y sabía de la represión de clase que se nos venía. Eso era un pinche dato, que en el huracán Beatle se me quedó fuera, y me fui mucho más allá de la realidad por un rato.

entrevista-john-lennon-2Alí: ¿Cuál crees que haya sido la razón del éxito de la música que hacían?

Lennon: Bueno, en ese entonces se pensaba que los obreros se habían colado a los reflectores, pero me doy cuenta en retrospectiva que se trataba del mismo acuerdo chafa que les dieron a los negros; era como cuando le permitieron a los negros ser corredores, boxeadores o animadores. Esa fue la opción permitida entonces –la salida es ser artista pop, que es exactamente lo que estoy diciendo en la canción “Working class hero” [Héroe de la clase obrera]. Como le dije a Rolling Stone, es la misma gente la que detenta el poder, el sistema de clases no ha cambiado ni tantito. Seguir leyendo “La entrevista perdida con John Lennon y Yoko Ono”

David Bowie, starman

Fernando Muñoz

Sinpermiso.info

 

No es fácil añadir algo a lo mucho que ya se ha dicho sobre la obra de David Bowie; mucho menos, cuando el momento en que uno intenta decir algo es ahora, tras su repentina desaparición. Sin embargo, la profunda significación de Bowie para la música, la estética y, por qué no decirlo, el sentido del yo en la contemporaneidad postmoderna ameritan que el esfuerzo sea hecho.

La capacidad que Bowie demostró de recoger, procesar y reconvertir las más diversas influencias culturales y artísticas, desde el soul afroamericano hasta el cabaret alemán de entreguerras, desde la música electrónica y la música industrial hasta su último flirteo con el jazz, así como la gigantesca influencia que estas síntesis bowienianas ejercieron en músicos como Lou Reed o Nine Inch Nails, justifican de sobra la atención que el inglés recibió a lo largo de su extensa carrera. Estos méritos, en el plano artístico, no pueden ser minusvalorados. Por otro lado, y como lo evidencia la muestra itinerante “David Bowie Is”, la influencia de Bowie se extendió considerablemente más allá de la música; a su influjo en la moda y la estética se suman sus incursiones en el teatro, el cine, e incluso la pintura. La dificultad de encontrar artistas contemporáneos que demuestren tal ubicuidad y versatilidad hace necesario buscar paralelos en otras épocas culturales; Bowie, en ese sentido, se asemeja más a las grandes figuras artísticas del Renacimiento o del Romanticismo que a sus pares del pop contemporáneo.

En efecto, si es que hubiésemos de apuntar hacia alguna categoría que permitiese comprender la obra bowieniana, habría que apuntar a la teoría de la Gesamtkunstwerk de Richard Wagner. Con este concepto, Wagner resumió su proyecto de crear un arte total, que abarcase de manera unitaria las diversas disciplinas artísticas que la modernidad ha diferenciado. La Gesamtkunstwerk es, en ese sentido, para Wagner, un regreso al teatro griego clásico, y con ello un esfuerzo por restituir al arte su sentido ritual y comunitario: el objetivo del arte total es transitar hacia la sublimación del yo mediante el éxtasis artístico. Pero la teoría de Wagner es también una teoría del Gesamtkünstler, del artista total, transdisciplinario, capaz de enfrentarse por sí mismo a la diversidad de medios expresivos requeridos por tan magno desafío creativo.
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BB King, leyenda del blues

Mike Hobart

Sinpermiso.info

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BB King, leyenda del blues (1925-2015)

 

BB King, que ha muerto a los 89 años, fue el músico de blues con más éxito de todos los tiempos. Creció en la pobreza en el Mississippi rural,  donde templó su guitarra y su voz en medio de la segregación racial hasta alcanzar fama mundial. Sus continuas giras le hicieron sinónimo de blues, pero su influencia se extendía mucho más allá del género.

Obtuvo 15 Grammys de blues, más que cualquier otro artista de blues, así como un premio a su trayectoria. King, cuyo éxito más conocido fue “The Thrill is Gone”, dijo una vez: “No tocamos rock and roll, el blues es nuestra música, directa desde el delta”. Sin embargo, en 1987 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

En su mejor momento, King fustigó multitudes hasta alcanzar el éxtasis; su música era un alivio para quienes vivían con el sudor de su frente. Esos salones de baile y esos bares ya no existen, pero la energía de King se mantuvo, empapando su blues con angustia y alegría. Hacia el final, le gustaba recordar el pasado en el escenario, como si hablara su propia leyenda. Pero una vez que la banda comenzaba a tocar con el látigo chillón de su metal, los poderes curativos del “rhythm and blues” de King lo llenaban todo.

Nació Riley B. King el 16 de septiembre de 1925 en el seno de una familia de aparceros del delta, cerca de Indianola. El joven King cantó en un coro baptista, absorbió los gritos de los trabajadores del campo y se enamoró de los discos de blues de su tía abuela. Sus primeros instrumentos fueron hechos a mano – un alambre y un palo de escoba eran suficientes. A los 12 años, King consiguió su primera guitarra, aprendió a tocarla solo y trató de imitar a Blind Lemon Jefferson y Lonnie Johnson.
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Bob Marley: Hace 70 años nació una leyenda

 “Es necesario entender las letras, su profundo significado” 

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El máximo exponente de la música reggae, Bob Marley, cumpliría este viernes 70 años, siendo un representante orgulloso de la cultura rastafari que dio a conocer al mundo en nombre de la paz y la libertad.

Robert Nesta Marley Booker (Nine Mile, Saint Ann, Jamaica, 6 de febrero de 1945 – Miami, Florida, Estados Unidos, 11 de mayo de 1981), más conocido como Bob Marley, fue un músico, guitarrista y compositor jamaiquino. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.  Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos I Shot the Sheriff, No Woman, No Cry, Jamming, Redemption Song y, junto a The Wailers, Three Little Birds, así como el lanzamiento póstumo Buffalo Soldier. El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos y 20 millones de copias en todo el mundo.

Imagen tomada de: http://www.telesurtv.net/

Juan Formell, con el corazón

Ismael Francisco, Mónica Rivero

Cubadebate

 

 

Gracias: Margarita Delgado

 

El maquinista de ese tren que es Van Van, el maestro Juan Formell, bajo cuya batuta se hizo la banda sonora popular de la Cuba de los últimos cuarenta años, ya no está. La despedida se hace difícil, no hay resignación ni consuelo, pero queda el latido de ese ritmo profundo, la resonancia en el cuerpo que no puede corresponder de otra forma que bailando.

 

“Tú pones el baile, yo pongo la música”, dijo alguna vez como si hablara con alguien del público. Eran los interlocutores en esa conversación, en esa comunión de códigos, esos hilos de contacto que salían desde su bajo, desde el micrófono, para tocar y mover.

Bajo y micrófono custodiaron sus cenizas hoy. Y los hilos de contacto, ahora desde la gente, lo buscan. Lo buscan desde muchachos negros, viejos blancos, muchachos blancos, viejos negros, lo buscan desde la vendedora de maní fuera del teatro, lo buscan desde el pelotero famoso y el anciano vestido de almidón; lo buscan desde el intelectual y el bisnero, desde el ministro y el rapero…

Y en la voz de amigos de música y vida se teje una memoria breve para un maestro grande.

Tomado de: http://www.cubadebate.cu/